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Lo primero de todo, ¿Qué es la proporción, áurea y qué relación tiene con el arte? La proporción aura o la divina proporción es una relación matemática. Así es. Y esta se encuentra en la naturaleza, arte, arquitectura, música… Se denota por la letra griega phi (φ) y su valor aproximado de 1.618033988749895.

¿Qué tiene que ver esto con el arte? ¿Y cómo se utiliza en este campo? Vayamos a lo visual.

Las obras creadas mediante esta proporción despiertan una profunda armonía y belleza.

Se dice que la proporción áurea tiene un impacto en nuestro subconsciente, nos genera una respuesta emocional positiva y agradable cuando se aplica a obras de arte. Puede estar relacionada con la forma en la cual nuestro cerebro procesa y encuentra los patrones que ya de por sí están en la naturaleza.

Debido a esta presencia natural, nuestra percepción tiende a asociar la proporción áurea con la belleza intrínseca que observamos en el mundo que nos rodea.

Y es que esta proporción crea una sensación de completitud y satisfacción visual. Si se sigue esta proporción al crear las obras, estas parecen estar en armonía consigo mismas y con el espectador.

Aplicado al diseño gráfico.

Los diseñadores gráficos utilizamos esta proporción, a veces sin ni siquiera saberlo.

Aquellas personas que han estudiado arte o diseño, o que simplemente tienen ese don del buen gusto y equilibrio, tienden a utilizarla sin saber por qué. En diseño gráfico, esta proporción supone una guía para colocar los elementos de tal forma que creen un equilibrio visual armonioso.

Por lo tanto, la misión de un diseñador gráfico a la hora de organizar los elementos de un diseño trata de utilizar la proporción áurea para focalizar la atención del espectador y crear una jerarquía visual de modo que el mensaje que se desea transmitir llegue de forma equilibrada causando una sensación placentera.

Los espectadores comprenden de este modo la importancia relativa de diferentes elementos en la composición.

Seguro que a todos nos ha pasado que hemos tenido que abordar un proyecto importante en nuestra vida, y esto puede ser tanto en lo personal como en lo profesional. Para ambos casos lo primero y más importante es entender el alcance del proyecto. Antes de empezar, debemos entender completamente lo que nuestro cliente o equipo espera del proyecto y por supuesto de nosotros mismos.

Tras haber investigado y analizado el mercado y la competencia y cualquier tendencia relevante en cuanto al proyecto, podremos comenzar con él. En este caso voy a hablar sobre un proyecto de diseño gráfico. Debemos entender el mensaje que queremos transmitir, tener claro nuestro público objetivo y cualquier requisito específico que se nos haya pedido.

Estableceremos objetivos y metas claras, primero definiremos dichos objetivos y lo que queremos lograr con nuestro diseño. ¿Se trata de aumentar el reconocimiento de marca? ¿De mejorar la comunicación? ¿De qué se trata?

Una vez hecho todo este estudio previo e importantísimo, nos pondremos unas pautas y unas fechas de entrega personales (es decir, para nosotros mismos) para llegar sin problema a las fechas de entrega estipuladas por el cliente. Normalmente, estas fechas “internas” entre yo y yo misma, suelen tener un margen de una semana. De este modo nos aseguramos de llegar sin problema en el caso de que haya algunos cambios o modificaciones de última hora.

Una vez tenemos todo esto claro nos pondremos “al lio”, crearemos borradores y prototipos con las herramientas que mejor manejemos. En mi caso yo suelo utilizar illustrator. Una vez tengamos unas ideas sólidas, comenzaremos a experimentar con diferentes elementos visuales para obtener retroalimentación.

Vamos a saltarnos todo el proceso de creación, este dependerá por supuesto del proyecto. El proyecto puede durar semanas, meses o incluso años dependiendo de la magnitud de este.

Los últimos pasos son de mis preferidos, refinamiento e interacción. No te conformes con la primera versión del diseño. Continúa refinando, confía en tu juicio profesional y pregunta a tu círculo más cercano. Aunque parezca que no, todas las opiniones son válidas, y muchas de ellas pueden abrirte los ojos.

Una vez finalizado el proyecto, lo entregaremos de forma ordenada y profesional, Asegúrate de que todos los archivos necesarios estén correctamente preparados y listos para su uso.

Por último, después de que el diseño haya sido implementado, realiza un seguimiento de su desempeño y evalúa si se están cumpliendo los objetivos establecidos. Esto te ayudará a aprender de la experiencia y a mejorar tus habilidades para futuros proyectos.

Si eres diseñador gráfico, crear una marca desde cero es un proceso desafiante que puede ofrecer muchas lecciones valiosas.

La creación de una marca requiere de un proceso de investigación previo donde debemos investigar al público objetivo, la competencia y las tendencias del mercado. A esto se le llama “benchmarking”. Con esto adoptaremos las prácticas que más nos gustan y nos alejaremos de las que no encajan con nosotros y nuestra marca.

Antes de crear la marca debemos de darle unos valores, un espíritu una misión y una visión. No es necesario hacerlo en este orden, pero está bien crear un “mood board” para inspirarnos antes de empezar a crearla.
El siguiente paso a seguir sería el desarrollo de la identidad de nuestra marca. Para ello comenzaremos con el “naming”, es decir, la elección y el desarrollo del nombre de nuestra marca. Seguidamente, la creación del logotipo, elección de los colores y la voz de la marca.

La voz de la marca es la personalidad y el tono distintivo que una marca utiliza en su comunicación con el público. Es la forma en la que esta se expresa a sí misma a través de sus mensajes escritos, hablados y visuales.
He de recalcar en que la voz de la marca es crucial para establecer una identidad coherente y reconocible, así como para conectar con su audiencia.

Una vez hecho esto nos centraremos en el desarrollo del concepto del diseño con base a la identidad de marca establecida. Comenzaremos a desarrollar conceptos de diseño que reflejen estos valores y que atraigan a nuestra audiencia objetivo. Consideraremos todos estos aspectos creados e implementados anteriormente como los colores, la tipografía, las formas y los estilos visuales para que sean coherentes con la personalidad de la marca.

Seguidamente, realizaremos pruebas y refinamientos. Esta es mi parte favorita, realizaremos los ajustes necesarios para mejorar y refinar nuestros diseños.

Una vez estén los diseños finalizados y aprobados, comenzaremos a implementarlos en nuestros productos y servicios. Nos aseguraremos de mantener la coherencia visual en todos estos puntos de contactos con nuestra audiencia. Desde un sitio web, una aplicación móvil hasta el mismo “packaging” de producto.

Por último y no menos importante deberemos realizar una evaluación continua. La creación de marca es un proceso continuo, por lo que es fundamental seguir evaluando y ajustando nuestros diseños a medida que evoluciona nuestra marca, puesto que las necesidades de nuestra audiencia van cambiando con el paso del tiempo.

Se me ocurren muchas razones por las cuales el diseño sostenible es tendencia en la actualidad, y es que es innegable que necesitamos que sea tendencia. El cambio climático está haciendo cambios negativos en la sociedad y necesitamos que haya un cambio ya. Es por eso que de repente hay una creciente demanda de soluciones para reducir la huella ecológica de los productos y servicios que las empresas generan.

Obviamente necesitamos un cambio, sin embargo, me pregunto si estas empresas realmente se unen a esta tendencia por convicción o simplemente para cumplir con las expectativas del mercado.

Las regulaciones y normativas cada vez más estrictas también están presionando a las empresas para que adopten prácticas más sostenibles en todas sus operaciones y productos.
Por otro lado, los consumidores juegan un papel muy importante, y es que estos están buscando activamente productos y servicios que sean respetuosos con el medioambiente, y que por supuesto estén éticamente producidos.

Es por esto quizás que el diseño sostenible responde a esta demanda de un público que crece por momentos. Aunque es importante señalar que, independientemente de las motivaciones detrás de este cambio, el resultado final es positivo.

En este sentido, es destacable el compromiso de empresas como «Lush», una empresa británica activista de cosméticos que destaca por participar en campañas contra las pruebas en animales, promover el comercio justo y apoyar diversas causas sociales y ambientales a lo largo de los años.

Por último, más allá de las razones que puedan motivar a las empresas a unirse al diseño sostenible, lo verdaderamente importante es el impacto positivo que esto provoca en nuestro entorno. Y es que es hora de que tanto las empresas como los consumidores y el público en general se comprometan con un futuro más sostenible y responsable.

Lo primero de todo, ¿Qué es el diseño especulativo? Muy fácil, es un concepto el cual se enfoca en la exploración de posibles futuros a través de artefactos (productos) escenarios o narrativas que nos digan como podría ser (en este caso) el mundo del diseño en ese futuro.

Es una disciplina que no busca predecir el futuro de manera precisa, sino más bien hacernos reflexionar sobre posibles caminos a elegir para poder tomar decisiones antes de que este futuro del que hablamos ocurra.

En este artículo de blog vamos a especular sobre como se presenta el diseño en un futuro cercano. Explorando el concepto de diseño especulativo vamos a conectarlo con posibles tendencias futuras en diversos campos del diseño.

A continuación, se presentan algunas de las posibles direcciones que podría tomar el diseño en los próximos años:

Es muy probable que el diseño sostenible siga siendo una prioridad en el futuro. Los diseñadores se enfocarán en la creación de productos y soluciones que minimicen el impacto ambiental.

Asimismo, la economía circular, la cual se basa en reducir, reutilizar y reciclar, tendrá un impacto significativo en el diseño. Fomentaremos un ciclo de vida más largo, reduciendo los desechos, sustituyendo para ello la utilización de plásticos por cartón y papel.

En cuanto a la realidad virtual como la realidad aumentada, las cuales están ganando terreno cada vez más en áreas como el entretenimiento, la educación y la industria en general, tomarán mucha más fuerza en los próximos años. Ya lo están haciendo, pero es muy probable que comiencen a formar parte de las actuales herramientas de diseño que actualmente empleamos para crear.

El diseño biomético, es decir, el diseño inspirado en la naturaleza, conocido como biomimética, continuará siendo muy relevante. Los diseñadores continuaremos buscando soluciones atractivas y creativas a problemas, pero esta vez imitando las formas, procesos y sistemas de la naturaleza. Esto puede aplicarse a la arquitectura, la tecnología y el diseño de productos.

Impresión 3D y fabricación digital: La impresión 3D y la fabricación digital seguirán revolucionando la forma en que se producen productos y prototipos. Esto permitirá una mayor personalización y una producción más eficiente.

Estas son solo algunas ideas sobre como puede evolucionar el diseño en los próximos años, teniendo en cuenta en como se trata el diseño en la actualidad.

¿Y tú? ¿Qué tendencias crees que aparecerán para quedarse en los próximos años?

Seguramente habrás oído la frase “ahora no estoy inspirado/a” y realmente así es. No siempre estamos inspirados, pero, ¿Qué ocurre cuando tenemos una entrega con unas “deadlines” muy estrechas y no estamos inspirados? ¿Realmente es válida esta “escusa”? A veces, incluso, esa misma escusa va directamente a nosotros mismos y nos la llegamos a creer.

Aquí te cuento unos “tips” para que eso no te impida entregar tus proyectos a tiempo.

Lo primero de todo, explora. Investiga y empápate de todo lo que te rodea. Gracias a los tiempos que corren y las plataformas existentes tenemos multitud de opciones para inspirarnos de otros artistas. Yo utilizo siempre Pinterest, en esta plataforma solo tienes que poner en el buscador las palabras mágicas como por ejemplo “logotipo, colores pastel, cartelería, diseño minimalista…” lo que vosotros queráis. Con esto conseguiréis inspiraros en las cosas que sí os gustan y huir de las que no.

Una vez nos hayamos inspirado deberemos investigar y comprender el proyecto. Averiguar quién es nuestro público objetivo, para que plataformas principales van a ir, es decir online u offline, paleta de colores….

Crea un tablero de inspiración. Guarda todas las imágenes, colores, tipografías y elementos visuales que te llamen la atención.

Colabora y comparte. No hace falta que hables con otros diseñadores gráficos del sector. Puedes peguntar a tus amigos y familia que les parecen tus ideas, e ir moldeándolas conforme te vayas adentrando más y más en el proyecto.

Prueba técnicas y estilos diferentes. A veces, salir de tu zona de confort puede ser la clave para encontrar la inspiración que necesitas.

Y lo más importante, descansa y desconéctate. A veces dar un paso atrás, descansar y desconectar de vez en cuando puede permitir que tu mente se recargue y encuentre nuevas ideas.

En resumen: La inspiración te tiene que encontrar trabajando.

¿Qué nos transmiten los colores a través del diseño gráfico?

Los colores tienen la capacidad de transmitir emociones, crear atmosferas y comunicarse.

A la hora de hacer un logotipo para nuestra empresa, como diseñadores, debemos hacer un estudio del mercado, observar a nuestro alrededor los logotipos de empresas del sector al que pertenecemos, rechazar las cosas que no nos gustan y quedarnos con las que sí.
A esto se le llama “Benchmarking”. ¿Te has dado cuenta alguna vez de que las herboristerías son todas de colores verdes y marrones? Esto es debido a que el verde está relacionado con la naturaleza, la frescura, la armonía y el crecimiento. Suele evocar sentimientos de equilibrio, tranquilidad y esperanza. Se utiliza comúnmente en marcas relacionadas con la salud, la sostenibilidad y la ecología.

Y es por ello que cada sector (dependiendo de lo que este quiera transmitir a través de su logo) tiene un logotipo con unos colores en concreto. Estos no están elegidos al azar.

A continuación vamos a ver los significados de algunos de los colores más usados.

Según la psicología del color:

Rojo: Es un color enérgico y llamativo que suele transmitir pasión, emoción, urgencia y poder. Se emplea con frecuencia para atraer la atención y destacar elementos importantes.

Azul: Este color transmite sensaciones de calma, confianza, seriedad y profesionalismo. Es comúnmente empleado en industrias como la tecnología, finanzas y salud, ya que evoca estabilidad y seguridad.

Amarillo: El amarillo es un color asociado con la alegría, la vitalidad y la creatividad. Puede transmitir optimismo, felicidad y calidez. Sin embargo, en exceso, puede resultar abrumador, por lo que se recomienda usarlo con moderación.

Violeta: El violeta es un color asociado con la espiritualidad, la imaginación y la originalidad. Puede transmitir sofisticación, misterio y elegancia. Es comúnmente utilizado en el diseño de marcas relacionadas con la belleza, la moda y la creatividad.

Estos significados pueden variar según la cultura y el contexto. Además, la combinación de colores también es crucial, ya que puede generar efectos y armonías visuales en el diseño gráfico y, por lo tanto, en el espectador.

Tu marca en movimiento ¿Por qué es importante?

Una «motion brand” se refiere a la forma en que una marca o empresa se comunica a través del movimiento y la animación en sus elementos visuales. Es el uso estratégico de la animación y el diseño en movimiento para construir la identidad y la personalidad de una marca, así como para transmitir sus mensajes clave.

Convirtiendo tu logotipo en un logotipo en movimiento conseguirás:

Dinamismo y energía, ayudarás a captar la atención de los espectadores y transmitirás una imagen de vitalidad y acción.
Esto da una sensación de innovación y progresión.

Impacto visual. Los elementos en movimiento son visualmente atractivos y llaman la atención más que cualquier logotipo estático.

Versatilidad y adaptabilidad. Debes tener en cuenta los diferentes formatos que existen. Desde móviles y tablets hasta ordenadores de sobremesa. Tu logotipo animado debe verse bien en todo tipo de canales de comunicación.

Modernidad y actualización. Hoy en día la tecnología y las tendencias evolucionan muy rápidamente. Debes mostrar que tu marca está a actualizada con las últimas tendencias y tecnologías. Esto generará una impresión positiva y mantendrá tu marca actualizada en el mercado.

Aquí te dejo algunos ejemplos de marcas que utilizan el concepto de motion brands en sus logotipos:

Nike: El famoso logotipo de Nike, conocido como el «swoosh», es un ejemplo de motion brand. El diseño en forma de arco simboliza velocidad y movimiento.

Mastercard: El logotipo de Mastercard cuenta con dos círculos superpuestos, uno rojo y otro amarillo. Los círculos en movimiento sugieren una conexión y movimiento fluido, representando la facilidad de uso de sus servicios de pago.

Twitter: El icónico logotipo de Twitter muestra un pájaro en vuelo. El pájaro en movimiento representa la naturaleza dinámica y rápida de la plataforma de redes sociales.

Audi: El logotipo de Audi presenta cuatro anillos entrelazados que simbolizan la fusión de cuatro fabricantes de automóviles. Los anillos en movimiento transmiten una sensación de progreso y evolución.

Airbnb: El logotipo de Airbnb utiliza una combinación de una «A» minúscula y un símbolo de corazón. La «A» en movimiento evoca la idea de viajar y explorar nuevos lugares.